• Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico, «Annonciation» (détail) (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

    Qu'il s'agisse de perfectionner une technique, de maîtriser un sujet ou simplement d'explorer un intérêt, les artistes reviennent souvent à la même iconographie encore et encore. Cette approche a été adoptée par certaines des figures les plus influentes de l'histoire de l'art, avec Fra Angelico - un peintre religieux de la Renaissance - au premier plan.

    Au cours d'une quinzaine d'années, Angelico a réalisé plusieurs interprétations de l'Annonciation, un événement éthéré qui reste au cœur de certains enseignements chrétiens. Rendues sous forme de tableaux animés, de retables chatoyants et de fresques vibrantes, les Annonciations d'Angelico semblent flotter au-dessus des interprétations d'autres artistes.

    Qu'est-ce que l'Annonciation?

     

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Artiste inconnu, «Annonciation», ca. 1410-1430 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons)

    Dans les traditions catholique et orthodoxe orientale, l'Annonciation fait référence à l'événement au cours duquel l'Archange Gabriel a dit à Marie qu'elle avait été choisie par Dieu pour concevoir et porter son fils, Jésus. L'Annonciation est décrite dans Luc 1: 26-28:

    Au sixième mois, Gabriel l'ange a été envoyé de Dieu dans une ville de Galilée appelée Nazareth, 27 à une vierge fiancée à un homme appelé Joseph, de la famille de David. La vierge s'appelait Marie.

    28 "Salutations, favorisé!", A déclaré l'ange à son arrivée. "Que le Seigneur soit avec vous!"

    Étant donné à la fois sa signification religieuse et la simplicité de la scène elle-même, l'Annonciation est un sujet privilégié parmi les artistes depuis des siècles. Les rendus notables de cette scène incluent une ancienne fresque romaine dans la catacombe de Priscilla (une carrière utilisée pour les sépultures chrétiennes au 3ème siècle); une peinture à grande échelle richement détaillée du pionnier de la Renaissance du Nord, Jan van Eyck; un panneau symbolique peint par un jeune Léonard de Vinci; et, bien sûr, une série d'œuvres dédiées à Fra Angelico, un frère d'origine toscane dont les peintures ont contribué à façonner la Haute Renaissance.

     

    Série Annonciation d'Angelico
    Étant donné la popularité de l'Annonciation parmi toutes sortes d'artistes, son attrait pour Fra Angelico - dont le nom adopté se traduit par «frère angélique» - n'est pas une surprise.

     

    L'ANNONCIATION DE SAN GIOVANNI VALDARNO (1430-1432)

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico, «Annonciation de San Giovanni Valdarno», 1430-1432 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

    Angelico a exploré cette iconographie pour la première fois en 1430 avec l'Annonciation de San Giovanni Valdarno, une pièce du nom de la ville toscane où elle réside maintenant. Rendu à la détrempe - une peinture à base de jaune d'oeuf populaire parmi les artistes médiévaux - cette pièce a jeté les bases des Annonciations ultérieures de Fra Angelico, qui sont caractérisées par le Gabriel ailé sur le côté gauche de la composition, la Vierge Marie sur la droite, et l'accent mis sur les détails dans leur environnement, y compris l'architecture encadrant les figures et Adam et Eve - au milieu de leur expulsion du jardin d'Eden - au loin.

     

    L'ANNONCIATION DE CORTONA (1433-1434)

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico, «Annonciation de Cortona», 1433-1434 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

    Un an seulement après avoir terminé l'Annonciation de San Giovanni Valdarno, Angelico a commencé à travailler sur une deuxième toile similaire. Connue aujourd'hui sous le nom d'Annonciation de Cortone, cette peinture sur panneau à détrempe présente des similitudes frappantes avec son prédécesseur. Il existe cependant des différences perceptibles, notamment un changement dans le geste de Gabriel (plutôt que de croiser les bras sur son cœur, il pointe maintenant une main vers Marie et tient l'autre contre sa bouche), l'ajout de colonnes corinthiennes et une accentuation subtilement croissante sur la présence d'Adam et Eve.

     

    L'ANNONCIATION À MADRID (CA. 1435)

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico, «Annonciation», ca. 1435 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons)

    En 1435, Angelico a accompli sa troisième Annonciation. Dans cette interprétation, les bras de Gabriel reviennent à sa poitrine - un choix esthétique qu'Angelico conserverait lors de l'achèvement de ses deux dernières peintures de l'Annonciation. Contrairement à ses autres pièces, cependant, cette version comprend un faisceau de lumière qui perce la composition. Destiné à représenter le Saint-Esprit, ce rayon diagonal attire le regard d'Adam et Eve - qui, dans ce tableau, sont les plus grands - sur la Vierge Marie assise.

     

    L'ANNONCIATION DANS LE COUVENT DE SAN MARCO (1440-1445)

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico, «L'Annonciation», (1440-1445) (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

    En 1440, Fra Angelico a transformé sa vision peinte en fresque. Commandée pour le couvent de San Marco, couvent dominicain entièrement décoré par Angelico, cette pièce reste la plus célèbre de ses représentations de l'Annonciation. Ironiquement, cependant, avec sa palette de couleurs naturalistes, ses paysages séculaires et son manque d'Adam et Eve, il est également parmi ses plus simples - juste derrière une autre fresque de l'Annonciation trouvée dans la chapelle.

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    Fra Angelico, «Annonciation» (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

    Située dans un couloir de cellules endormies, cette pièce se détache des autres tableaux de l'Annonciation d'Angelico, car elle est intelligemment installée dans le couvent lui-même.

    L'héritage de l'Annonciation

    Fra Angelico et l'Annonciation: comment l'événement éthéré a inspiré l'artiste de la première Renaissance

    El Greco, «L'Annonciation», ca. 1590-1603 (Photo: domaine public Wikimedia Commons)

    Alors que Fra Angelico était loin d'être le premier artiste à explorer l'Annonciation, ses interprétations sont parmi les tendances les plus connues de la tendance durable - à la fois dans l'art de la Renaissance et au-delà. En fait, c'est cette chaîne d'œuvres qui a incité Vasari, un historien important et contemporain d'Angelico, à identifier et à louer son «talent rare et parfait».

    De plus, le dévouement inlassable d'Angelico à ce sujet séculaire a inspiré les futurs artistes à emboîter le pas. Par exemple, El Greco - un artiste espagnol considéré comme le «premier grand peintre religieux depuis Fra Angelico» - a également revu le sujet à plusieurs reprises tout au long de sa vie et de sa carrière, poussé par la croyance pertinente selon laquelle «vous devez étudier les maîtres mais garder le style original qui bat dans votre âme. "

     

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  • En savoir plus sur Masaccio, le peintre italien de la Renaissance avec une courte vie mais un long héritage

     

    En savoir plus sur Masaccio, le peintre italien de la Renaissance avec une courte vie mais un long héritage

    Masaccio, «Triptyque de San Giovenale», v. 1422 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    La Renaissance italienne - qui a produit des artistes tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Titien - a été l'une des périodes les plus marquantes de l'histoire de l'art. Ce mouvement culturel a eu lieu entre les 14e et 17e siècles et est généralement divisé en trois périodes: début, haute et fin de la Renaissance.
    La première Renaissance, également connue sous le nom de quattrocento, a eu lieu au 14ème siècle. Ce fut une période largement transitoire, au cours de laquelle des artistes comme Brunelleschi (1377-1446) et Giotto (c.1267-1337) redécouvraient l'esthétique classique de la proportion, de la perspective et de l'anatomie humaine. Parmi ces pionniers créatifs se trouvait l'artiste connu sous le nom de Masaccio (1401-1428) qui, avec ses contemporains, a ouvert la voie à l'art de la Renaissance ultérieure. Son utilisation de la perspective linéaire et du point de fuite, ainsi que son attention aiguë au réalisme, ont fait de lui le premier grand peintre de la Renaissance italienne.

     

    Qui était Masaccio?

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    Masolino et Masaccio, «Vierge à l'enfant avec sainte Anne», v. 1424 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    Masaccio est né Tommaso di Ser Giovanni di Simone Cassai vers 1401 dans une petite ville de Toscane, en Italie. Il a été doué artistiquement dès son plus jeune âge, et lui et son frère Giovanni ont tous deux poursuivi la peinture. Le surnom de "Masaccio" signifie "Tom maladroit" en italien, et c'était probablement une référence à l'apparence personnelle de l'artiste ainsi qu'un moyen de le distinguer d'un autre peintre nommé Tommaso, appelé Masolino (c.1383-1447).
    Il n'y a aucune trace de Masaccio déménageant à Florence jusqu'au 7 janvier 1422, date à laquelle il rejoint officiellement la guilde des peintres, Arte de 'Medici e Speziali en tant qu'artiste indépendant. Selon les historiens, Masaccio et son plus célèbre contemporain Masolino se sont rendus à Rome en 1423, où les deux ont étudié l'art classique. Par la suite, Masaccio a collaboré avec Masolino sur un grand retable intitulé Vierge à l'enfant avec sainte Anne, et déjà une forte suggestion de tridimensionnalité dans les figures et les objets peut être vue par les deux peintres.

    À cette époque, Florence était une plaque tournante de l'innovation créative. Masaccio a pu étudier les peintures de Giotto, ainsi que l'ingénieux travail de Brunelleschi et Donatello. De plus, son exposition à l'art grec et romain antique a continué d'influencer sa peinture.

     

    Peinture de la chapelle Brancacci

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    Masacio, «The Tribute Money», chapelle Brancacci, 1425 (Photo: Wikimedia Commons [Public Domain])

    En 1424, Masaccio entreprit son plus grand projet à ce jour. Lui et Masolino ont été commandés par la riche famille Brancacci pour produire un cycle de fresques le long des murs de la chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence. À l'exception de L'expulsion du jardin d'Eden, la série de fresques se concentre principalement sur la vie de saint Pierre.

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    Masaccio, «Expulsion d'Adam et Eve», avant et après restauration, Chapelle Brancacci, v. 1426-8 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    L'art de Masaccio présente une similitude avec Giotto dans le style, en particulier dans l'émotion des visages de ses personnages. Contrairement à Giotto, cependant, Masaccio utilise à la fois une perspective linéaire et atmosphérique dans ses compositions et utilise du clair-obscur au lieu de contours pour définir ses sujets. En conséquence, les peintures de Masaccio semblent beaucoup plus réalistes que ses prédécesseurs.
    Après 1425, Masolino quitte le projet pour travailler en Hongrie, laissant Masaccio pour achever les fresques restantes. Bien que beaucoup aient été détruits lors d'incendies ultérieurs, la restauration a permis aux historiens de retrouver l'aspect d'origine des œuvres perdues.

     

    Le chef-d'œuvre de Masaccio, la Sainte Trinité

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    Masaccio, «Sainte Trinité», v. 1427 (Photo: Galerie Web d'Art via Wikimedia Commons [Domaine Public])

    Plus tard, en 1427, Masaccio a obtenu la commission qui a finalement conduit à son chef-d'œuvre, la Sainte Trinité. Peinte dans l'église dominicaine de Santa Maria Novella, Florence, cette fresque est la première peinture survivante à utiliser une perspective linéaire systématique. Selon les dossiers, Masaccio a placé un clou au point de fuite et attaché des cordes pour déterminer comment les lignes ont convergé.
    Il est très probable que Masaccio a demandé l'aide de Brunelleschi pour créer cette technique, qui était un architecte et ingénieur accompli responsable de la conception du dôme de la cathédrale de Florence.

     

    L'héritage de Masaccio

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    Masaccio, «Vierge Marie», 1426 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    Bien que la carrière de Masaccio ait été interrompue par sa mort soudaine à l'âge de 26 ans, il a laissé un héritage profond sur la direction de l'art de la Renaissance italienne. Son départ clair du style gothique médiéval et l'adoption d'idées classiques comme le réalisme anatomique, la perspective et la proportion ont influencé directement ses contemporains ainsi que ses successeurs à la Haute et à la Basse Renaissance.

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  • MARIA MAGDALENA OOSTHUIZEN

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    La chose la plus importante dans la vie est d'être heureux. Enfants dans la peinture de Maria Magdalena Ostheisen / Maria Magdalena Oosthuizen (Afrique du Sud, 1972)

    MARIA MAGDALENA OOSTHUIZEN

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  • Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

     

    Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

    Orchidées de verre par Laura Hart
    Avec plus de 28 000 espèces connues, l'orchidée est l'une des plus grandes familles de plantes à fleurs de notre planète. L'élégante fleur se présente sous différentes formes, couleurs et tailles, ce qui en fait l'une des fleurs les plus visuellement fascinantes au monde. Avec autant de variété, il n'est pas surprenant que leur beauté ait inspiré le travail de l'artiste britannique Laura Hart. Elle a conçu une collection de sculptures d'orchidées brillantes en verre, intitulée Orchis Exotica.

    Hart a exploré de nombreuses avenues artistiques tout au long de sa vie, mais elle n'a pas commencé à expérimenter avec le verre avant la cinquantaine. Elle a appris les bases en cours, mais a largement développé son propre style par essais et erreurs, en travaillant depuis son garage. «J’ai beaucoup appris, mais je suis toujours novice dans l’organisation des choses et chaque jour apporte une nouvelle occasion délicieuse d’expérimenter», explique Hart. «J'aime jouer avec la diversité et me livrer à une myriade d'idées et de styles - remplit la disposition nomade - mais surtout, un demi-siècle sur cette planète a déterminé le point focal de ma vraie passion; la représentation artistique de certains [des] organismes les plus fondamentaux, les plus beaux et les plus menacés de la Terre. »

    La série Orchis Exotica de Hart capture la forme délicate, les teintes audacieuses et les jolis motifs d'orchidées, rendus en verre coloré. Chaque pièce d'un demi-mètre de large est conçue avec une combinaison de logiciels de conception 3D et de techniques traditionnelles. Cependant, chaque fleur de verre prend vraiment vie une fois illuminée par son centre néon bicolore. Hart a décidé d'inclure ces tubes au néon pour représenter la colonne des fleurs - la partie charnue au centre de la fleur d'orchidée qui contient les parties reproductives vitales.

    Datant de 100 millions d'années, les archives fossiles montrent que les orchidées ont été les premières plantes à fleurs sur terre. La série Hart célèbre l'incroyable capacité des orchidées à se métamorphoser et à évoluer pour survivre. L'artiste dit: «Les étonnantes mimétisme que les orchidées emploient pour attirer des pollinisateurs spécifiques ont fourni des preuves essentielles de la théorie de l'évolution de« s'adapter et survivre »de Charles Darwin.»

    Faites défiler vers le bas pour voir la magnifique série Orchis Exotica de Hart et découvrez plus de son portfolio sur son site Web.

    La série de sculptures en verre Orchis Exotica de Laura Hart célèbre la diversité de la beauté de l’orchidée.

    Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

    Les tubes néon centraux représentent la colonne des fleurs - la partie de la fleur qui contient les parties vitales de la reproduction.

    Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

    Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

    Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

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    Les orchidées en verre illuminées célèbrent la force délicate des fleurs exotiques

     

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  • EVGENI GORDIETS PEINTURE À L'HUILE D'ART ORIGINAL

    Yevgeny Gordiets est né en 1952 à Makeevka, en Ukraine

     
















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  • Les Collages botaniques de Meggan Joy 

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    Avant que Meggan Joy ne commence à créer ses assemblages fleuris, elle doit d’abord planter les graines. L’artiste de Seattle cultive une petite parcelle dans un jardin communautaire tout au long des mois d’été. Elle apporte un soin particulier à chaque fougère et à chaque pétale.

    ne fois son jardin en pleine floraison, elle capture des milliers de photographies individuelles de ses plantes enracinées avant de les combiner en collages numériques allégoriques du corps féminin. Des oiseaux, des papillons et d’autres visiteurs de son jardin font également leur apparition.

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

    Les Collages botaniques de Meggan Joy

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  • Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance
     

     / HISTOIRE DE L'ART / Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance Par Kelly Richman-Abdou

    pendant des siècles, le monde a été captivé par l'art révolutionnaire de Michel-Ange. Travaillant dans de multiples médiums, l'artiste italien était un véritable homme de la Renaissance, culminant dans une impressionnante collection d'œuvres de renommée mondiale qui comprend le plafond de la chapelle Sixtine, une interprétation emblématique de David et la Pietà, une sculpture monumentale en marbre de la Madone berçant le Christ .

    Fabriquée à la fin du XVe siècle, la Pietà reste l'une des sculptures les plus appréciées au monde. Ici, nous jetons un coup d'œil à cette pièce afin de comprendre comment son iconographie, son histoire et ses caractéristiques artistiques ont façonné un héritage si important.

    Qu'est-ce qu'une «Pietà»?

     / HISTOIRE DE L'ART / Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance Par Kelly Richman-Abdou

    Photo: Domaine public du Metropolitan Museum of Art

    Dans l'art chrétien, une Pietà est toute représentation (en particulier, une représentation sculpturale) de la Vierge Marie tenant le corps de son fils, Jésus. Selon la Bible, Jésus a été crucifié pour avoir prétendu être le fils de Dieu. Bien que Mary embrassant son fils décédé ne soit pas explicitement mentionnée dans le livre sacré, la scène s'est avérée un sujet populaire parmi les artistes pendant des siècles, après que les sculpteurs allemands ont introduit des figurines en bois Vesperbild (un terme qui se traduit par «image des vêpres») en Europe du Nord. au Moyen Âge.

    En 1400, la tradition avait atteint l'Italie, où les artistes de la Renaissance l'ont adaptée comme sculpture en marbre - et Michel-Ange a fait sa marque avec son interprétation sans précédent.

     

    Pietà de Michel-Ange

     / HISTOIRE DE L'ART / Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance Par Kelly Richman-Abdou

    Vers la fin du XVe siècle, le jeune artiste florentin Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni était déjà un artiste estimé. Il était particulièrement réputé pour sa capacité à peindre et sculpter des figures bibliques avec des caractéristiques anatomiques réalistes, aboutissant à des commandes de l'élite religieuse de Rome.

    Fin 1497, le cardinal Jean de Bilhères-Lagraulas, ambassadeur de France auprès du Saint-Siège, a demandé à Michel-Ange de fabriquer à titre préventif une grande Pietà pour sa tombe. L'année suivante, Michel-Ange a commencé à travailler sur la sculpture, qu'il a sculptée dans un seul bloc de marbre de Carrare, un matériau dérivé de la Toscane. Historiquement utilisé par les anciens constructeurs romains, ce médium était apprécié pour sa qualité et populaire parmi les artistes de la Renaissance.

    Lorsque la pièce a été achevée en 1499, elle a été accueillie à une écrasante majorité, avec le peintre contemporain, architecte, écrivain, historien et biographe de Michel-Ange Giorgio Vasari parmi ses fans les plus fidèles. «C'est certainement un miracle qu'un bloc de pierre sans forme ait jamais pu être réduit à une perfection que la nature est à peine capable de créer dans la chair», a-t-il expliqué dans La vie des artistes.

    En fait, la pièce a été tellement célébrée que, craignant qu'on ne lui accorde pas de crédit, Michel-Ange - qui est connu pour ne jamais avoir signé son œuvre - l'a célèbre avec son nom. Selon Vasari, l'artiste a entendu des spectateurs attribuer par erreur la pièce à Il Gobbo, un artiste milanais. En réponse, Michel-Ange «se tut, mais trouva étrange que ses travaux soient attribués à un autre; et une nuit, il s'y enferma et, ayant apporté un peu de lumière et ses ciseaux, y grava son nom. »

     

    Un chef-d'œuvre de la Renaissance

     / HISTOIRE DE L'ART / Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance Par Kelly Richman-Abdou

    Qu'est-ce qui rend la Pietà de Michel-Ange si spéciale? Comme d'autres œuvres de l'artiste, la pièce illustre les idéaux de la Renaissance; en particulier, il montre un intérêt pour le naturalisme.

    Pendant la Haute Renaissance (1490-1527), les artistes en Italie ont commencé à rejeter les formes irréalistes trouvées dans l'art figuratif médiéval au profit d'une approche plus naturaliste. À l'avant-garde de cette tendance, Michel-Ange a conçu des sculptures axées sur l'équilibre, le détail et une approche réaliste mais idéalisée de la forme humaine.

    La Pietà reflète parfaitement ces idéaux de la Renaissance. Afin de suggérer l'équilibre, il a rendu la sculpture comme une pyramide. Populaire dans la peinture et la sculpture de la Renaissance, l'utilisation de la composition pyramidale - une technique artistique pour placer une scène ou un sujet dans un triangle imaginaire - aide le spectateur à observer une œuvre d'art en dirigeant son regard autour de la composition. Une telle silhouette suggère également la stabilité, que Michel-Ange a impliquée davantage par l'utilisation de draperies lourdes couvrant la forme monumentale de Marie.

     / HISTOIRE DE L'ART / Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance Par Kelly Richman-Abdou

    Alors que, dans ce sens, la grande taille de la Vierge se prête au naturalisme de la sculpture, elle apparaît paradoxalement aussi irréaliste, car elle apparaît beaucoup plus grande que son fils adulte. Pourquoi Michel-Ange a-t-il opté pour ces proportions? Alors que la plupart des historiens de l'art pensent que c'était une question de perspective (une figure massive étalée sur les genoux d'une figure plus petite aurait l'air déséquilibrée), il existe une autre théorie, plus poignante, qui peut être retracée dans la tradition Vesperbild.

    Tout en discutant d'une figurine de la fin du 14e siècle, le Metropolitan Museum of Art explique que «la petite échelle de Jésus peut refléter les écrits de mystiques allemands, qui croyaient que la Vierge, dans l'agonie de sa douleur, imaginait qu'elle tenait Christ comme un bébé encore une fois dans ses bras.

     

    Héritage

     / HISTOIRE DE L'ART / Explorer la «Pietà» de Michel-Ange, un chef-d'œuvre de la sculpture de la Renaissance Par Kelly Richman-Abdou

    Depuis son dévoilement au XVe siècle, la Pietà a eu une vie mouvementée. Alors que, pendant des siècles, il a été installé dans la chapelle funéraire du cardinal du Vatican, il a finalement trouvé une place permanente et importante dans la basilique Saint-Pierre, où il se trouve encore aujourd'hui.

    Bien que la pièce possède une histoire de 520 ans, de nombreux points forts de son héritage n'ont émergé que récemment. Au milieu du XXe siècle, par exemple, il a connu beaucoup de fanfare lors de son exposition à l'Exposition universelle de New York de 1964. Moins d'une décennie plus tard, il a attiré l'attention lorsqu'un homme brandissant un marteau l'a vandalisé. Et, aussi récemment qu'au début de 2019, la pièce a de nouveau fait la une des journaux lorsque les historiens ont conclu qu'une petite statue en terre cuite découverte à Paris lui avait probablement servi d'étude.

    Même sans ces développements récents, la Pietà a sans aucun doute solidifié son rôle en tant qu’une des sculptures les plus importantes du monde.

     

     

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  • La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    les images de la Vierge à l'enfant - un titre qui dénote généralement une représentation visuelle de la Vierge Marie et de son fils infantile, Jésus - figurent parmi les motifs les plus appréciés de la peinture. À l'origine une ancienne pratique de dévotion issue de croyances bibliques, la représentation artistique de ces figures est devenue un thème central du canon de l'histoire de l'art.

    Compte tenu de sa longévité, il n'est pas étonnant que la tradition ait évolué au fil du temps, aboutissant à une multitude d'œuvres allant des icônes divines aux portraits terre-à-terre. Ce n’est qu’en observant le rôle du motif tout au long de l’histoire que l’on peut saisir pleinement sa signification, tant dans l’art chrétien qu’au-delà.

     

    Qui étaient Marie et Jésus?

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    Selon la croyance chrétienne, Marie - une femme juive galiléenne de Nazareth - a été choisie par Dieu pour porter son fils unique, Jésus. La Bible met l'accent sur le fait que Marie était vierge, imprégnée non pas par sa fiancée, Joseph, mais par le Saint-Esprit - un phénomène qui, selon l'Évangile de Luc, a rendu perplexe même Marie elle-même.

    "Comment cela arrivera-t-il?" elle a demandé à Gabriel, un messager archange envoyé par Dieu de lui annoncer la nouvelle. "Je suis toujours vierge!" L'ange répondit: «L'esprit saint viendra sur vous. . . et la puissance du Très-Haut vous éclipsera. Pour cette raison, le saint qui est né de vous sera appelé le Fils de Dieu. "

    Marie a accepté de porter, de faire naître et d'élever Jésus. Ensemble, le couple est l'une des figures les plus vénérées du christianisme, ce qui ne surprend pas leur présence perpétuelle dans l'art.

     

    La Vierge à l'enfant dans l'histoire de l'art
     

    ROME ANTIQUE

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    Vierge à l'enfant avec Balaam le Prophète »dans la catacombe de Priscille à Rome, fin du IIe siècle (Photo: Wikimedia Commons [Public Domain])

    Comme beaucoup d'autres tendances de l'histoire de l'art, la tradition de la Madone (dérivée du terme italien pour Notre-Dame) et de l'enfant remonte à l'ancien empire romain.
    La première représentation visuelle connue de Marie et de l'enfant Jésus se trouve dans la catacombe de Priscille, une carrière utilisée pour les sépultures chrétiennes de la fin du IIe au IVe siècle. Cette catacombe est célèbre pour ses peintures murales et de plafond séculaires, y compris une collection inspirée de la Bible. En plus des contes de l'Ancien Testament, y compris la Reliure d'Isaac et le Jugement dernier, les fresques de sa chambre grecque racontent des histoires du Nouveau Testament, y compris, bien sûr, la naissance de Jésus.

    La catacombe de Priscille présente également probablement la première représentation connue d'un ange dans l'histoire de l'art. Ensemble, ces «premières» figurent parmi les sites les plus importants de l’art chrétien.

     

    BYZANCE

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    Icône de la Vierge à l'enfant intronisée avec des saints et des anges dans le monastère de Sainte-Catherine, 6e siècle (Photo: Wikimedia Commons [Public Domain])

    Après leurs débuts à la fresque, la Vierge à l'enfant s'est matérialisée sous forme de peintures à l'encaustique (à base de cire) et à la tempera (à base de jaune d'oeuf). Rendues sur des panneaux en bois, ces icônes catholiques romaines présentent souvent Marie et Jésus au visage sombre assis sur un trône et flanqués de saints et d'anges tout aussi sérieux. Ils étaient principalement utilisés pour le culte et sont parmi les œuvres les plus répandues de l'art byzantin.
     

    L'EUROPE MÉDIÉVALE

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    Duccio, «Vierge à l'enfant», ca. 1300 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    Au Moyen Âge, les artistes ont adopté l'esthétique de l'icône byzantine pour créer leur propre style de peinture sur panneau. Des peintres italiens comme Cimabue et Duccio ont créé des portraits à la détrempe de Marie et de Jésus qui se sont appuyés sur le modèle byzantin - en particulier des plans plats, des poses assises et l'utilisation de feuilles d'or, un médium dont la popularité a diminué à mesure que la Renaissance se rapprochait.
     

    RENAISSANCE TÔT ITALIENNE

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    Filippo Lippi, «Vierge à l'enfant et deux anges», ca. 1460-1465 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    Au XVe siècle, les peintres et dessinateurs italiens ont commencé à expérimenter le réalisme dans leur travail. Cette approche a marqué le début de la Renaissance, un âge éclairé de l'art qui a duré de 1400 à 1490. Pendant ce temps, les artistes ont regardé les temps anciens, culminant dans un corpus d'œuvres qui évoque les intérêts classiques. Alors que de nombreux chefs-d'œuvre de la période, dont Primavera et La naissance de Vénus de Botticelli, ont conservé le sujet mythologique privilégié par les artistes classiques, certains présentent des représentations naturalistes de Marie (qui semblait adopter des poses plus engagées) et de Jésus (qui a commencé à chercher plus comme un bébé).
     

    RENAISSANCE DU NORD

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    Jan van Eyck, “Madonna in the Church” 1438 (Photo: Wikimedia Commons [Public Domain])

    Italian ideals gradually made their way across the continent, culminating in a Northern Renaissance. Based in the Low Countries (the Netherlands and Belgium), Germany, France, and England, this movement shares the Italian Renaissance’s preference for realistic painting. In their impressions of the Madonna and Child, artists like Jan Van Eyck and Robert Campin took this new approach, resulting in works that showcase an advanced sense of perspective, skilled methods of figure painting, and a radical interest in earthly settings.

     

    HIGH RENAISSANCE

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    Raphael, "Madone du Chardonneret." Californie. 1505-1506 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    Pendant la Haute Renaissance (1490 à 1527), Michel-Ange, Léonard de Vinci, Raphaël et d'autres artistes italiens ont porté ce regain d'intérêt pour le réalisme vers de nouveaux sommets. Ne s'intéressant plus aux motifs mythologiques, ils se sont concentrés sur le portrait commandé, les études anatomiques réalistes et les figures bibliques, y compris une Madonna and Child de plus en plus agréable et naturaliste.
     

    EMPIRE MUGHAL

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    «Feuille unique de la Vierge à l'enfant», 1600-1625 (Photo: Wikimedia Commons [Public Domain])

    La Vierge à l'enfant n'est pas seulement apparue dans l'art occidental, elle a également servi de muse dans la peinture moghole. Pourquoi les figures chrétiennes classiques figureraient-elles dans l'art indo-islamique? Selon le Metropolitan Museum of Art, au XVIe siècle, «de nombreux sujets chrétiens ont été copiés par des artistes indiens travaillant à partir des bibles illustrées, des gravures et des peintures qui ont été apportées à la cour moghole par des missionnaires jésuites et des commerçants européens». De plus, les chiffres eux-mêmes sont bien en vue dans le Coran et l'islam lui-même; On pense que Marie est «avant tout les femmes de la création», tandis que Jésus est considéré comme l'avant-dernier prophète et messager d'Allah.
     

    FRANCE NÉOCLASSIQUE

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    William-Adolphe Bouguereau, “Madonna with Child,” 1899 (Photo: Wikimedia Commons [Public Domain])

    This iconography remained popular throughout the Neoclassical period, a movement inspired by classical art’s sense of balance and focus on the human figure. While painters like William-Adolphe Bouguereau sought to modernize older subjects—including the Madonna and Child, who he imagined as 19th-century figures in a stylized setting—their contemporaries were already crafting increasingly avant-garde interpretations.

     

    MODERN AND CONTEMPORARY ART

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    Mary Cassatt, «Mère et enfant (le miroir ovale)», ca. 1899 (Photo: Wikimedia Commons [Domaine public])

    Au tournant du 19e siècle, l'impressionniste américaine Mary Cassatt, d'origine américaine, a subtilement renversé les critères traditionnels de la Vierge à l'enfant avec Mère et enfant (The Oval Mirror). À première vue, cette charmante pièce ressemble aux nombreux autres portraits maternels de Cassatt. Cependant, ce qui distingue le tableau, ce sont des références particulièrement discrètes. «Le regard adorateur de la femme et le visage doux et la position contrapposto du garçon suggèrent des images de la Renaissance italienne de la Vierge à l'enfant», explique le Metropolitan Museum of Art, «une connexion renforcée par le miroir ovale qui encadre la tête du garçon comme un halo.»

    La Vierge à l'enfant: comment le duo divin a inspiré les artistes pendant des siècles Par Kelly Richman-Abdou le 10 mai 2020

    Allan D’Arcangelo, «Madonna and Child», 1963 (Photo: Wally Gobetz [CC BY-NC-ND 2.0])

    Suivant les traces de Cassatt, des artistes modernes et contemporains ont adopté et adapté le concept de la Vierge à l'enfant. En 1942, Marc Chagall a conçu La Vierge du village, une représentation rêveuse de Marie et de Jésus flottant dans un fantasme. En 1949, Salvador Dalí a fracturé l'iconographie familière avec La Vierge de Port Lligat. Et en 1963, Allan D’Arcangelo a donné une touche pop art au couple avec sa Vierge à l’enfant, un portrait graphique de «l’icône» Jackie Kennedy et de sa fille, Caroline.
    En plus de montrer leurs propres pouvoirs créatifs, ces artistes avant-gardistes ont révélé une vérité importante sur Madonna and Child: l'iconographie séculaire peut être triomphalement intemporelle.

     

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  • Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    en tant que catalyseur de l'art moderne, il n'est pas surprenant que l'impressionnisme reste l'un des mouvements les plus innovants de l'histoire de l'art. Les artistes impressionnistes sont connus pour leur approche avant-gardiste du pinceau et leur intérêt à capturer des impressions éphémères du monde qui les entoure. En plus de ces développements techniques, l'impressionnisme était révolutionnaire pour une autre raison: son inclusion des femmes.

    Bien que le mouvement soit encore dominé par les hommes, quelques femmes ont pu se faire un nom parmi les premières impressionnistes de Paris, Berthe Morisot étant la première.

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

     

    Contexte artistique
    En 1841, Berthe Morisot est née à Bruges, en France. À l'âge de 11 ans, elle et sa famille ont déménagé à Paris, où elle - comme la plupart des autres jeunes filles riches - a reçu des cours d'art privés de Joseph Guichard, un peintre français. En plus d'enseigner ses compétences techniques, Guichard a aidé Morisot à pénétrer la scène artistique parisienne en la présentant à des artistes établis, dont Jean-Baptiste-Camille Corot et Édouard Manet, dont elle épouserait finalement le frère.

    Morisot a également rencontré d'autres artistes tout en travaillant comme copiste au Louvre, et faisait partie du cercle d'artistes en plein essor de Paris au milieu des années 1860.

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Édouard Manet a invité Morisot à modéliser sa peinture «Le balcon» en 1868. Elle est représentée assise.

    Alors que Morisot sera finalement connue pour son travail dans la peinture à l'huile, elle se lance dans le dessin et la sculpture au début de sa carrière. Malheureusement, peu de ces pièces existent aujourd'hui. Travaillant sous la conviction qu'elle était «incapable de faire quoi que ce soit correctement», Morisot a détruit un nombre important d'œuvres d'art créées dans les années 1860. Cette attitude a cependant changé en 1870, lorsque Morisot a trouvé sa niche dans la peinture en plein air, une technique qui allait définir l'impressionnisme.

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Berthe Morisot, «Le port de Lorient», 1870 (Photo: Wiki Art Public Domain)

    Rejoindre les impressionnistes
    De 1864 à 1873, Morisot connaît le succès dans les salons parisiens, expositions annuelles respectant les goûts traditionnels de l'Académie des Beaux-Arts. Ces spectacles avaient tendance à privilégier les sujets conventionnels - y compris les scènes historiques, mythologiques et allégoriques - rendus dans un style réaliste, ce qui en faisait l'antithèse des idéaux impressionnistes.

    Vers la fin de son séjour en salon, Morisot devenait de plus en plus expérimentale dans son travail, mélangeant souvent aquarelles, peinture à l'huile et pastels sur une seule toile. Associé à son intérêt croissant pour la peinture en dehors des confins d'un atelier traditionnel, ce changement de style a poussé Morisot à renoncer au salon et à rejoindre la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs.

    Connu finalement sous le nom d'Impressionnistes, ce groupe d'artistes comprenait Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas et Camille Pissarro. En 1874, ils ont tenu leur première exposition indépendante. Morisot a montré The Cradle, une peinture à l'huile qui allait devenir son œuvre d'art la plus connue.

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Berthe Morisot, «Le berceau», 1872 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

    Alors que l'exposition a rencontré des critiques mitigées (un critique a tristement comparé l'impression emblématique de Claude Monet, Sunrise au «papier peint dans son état le plus embryonnaire»), la pièce de Morisot a été félicitée pour sa «grâce féminine».

    Style «féminin»
    Pendant toute sa carrière, le travail de Morisot continuera à être décrit comme «féminin». Cette caractérisation peut être attribuée à deux caractéristiques prédominantes: une palette de couleurs douces et une touche délicate.

    COULEUR
    Quel que soit le médium, Morisot préférait travailler dans des tons pastel et incorporer une abondance de blanc dans ses compositions. Avec cette palette, ses œuvres ont adopté une touche éthérée: dans ses portraits, la peau humaine prend une esthétique de porcelaine; dans ses paysages marins, l'océan ressemble à du verre; et, dans ses paysages (par exemple, Hanging the Laundry out to Dry), le ciel devient une barbe à papa.

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Le traitement exquis de Morisot de la couleur a été salué par ses collègues artistes et critiques contemporains. "Voici un coloriste délicat", faisait remarquer le critique d'art français Philippe Burty en 1877, "qui réussit à faire cohabiter le tout en une harmonie globale de nuances de blanc".

     

    «LIBERTÉ DE MANIPULATION»
    Tout comme son utilisation de la couleur, l'approche de Morisot au pinceau et sa manipulation des pastels sont devenues intrinsèques à son art - et l'une de ses compétences les plus célèbres.

    «Ses aquarelles, ses pastels, ses peintures le montrent tous. . . une touche légère et une allure sans prétention que nous ne pouvons qu'admirer », a déclaré le critique Georges Rivière en 1877.« Mademoiselle Morisot a un œil extrêmement sensible [et] réussit à capturer des notes éphémères sur ses toiles, avec une délicatesse, un esprit et une compétence qui garantissent elle une place de choix au centre du groupe des impressionnistes. »

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Poétiquement décrite par le musée Marmottan comme une «liberté de manipulation», cette compétence technique correspondait parfaitement à son sujet de prédilection: des paysages venteux en Normandie, des paysages marins chauds du sud de la France et des enfants jouant dans des jardins fleuris.

     

    Fin de carrière et héritage
    Morisot a continué à affiner son style «féminin» alors qu'elle naviguait dans sa carrière. Avec l'émergence de la photographie, elle a commencé à expérimenter avec des compositions recadrées dans les années 1880. Et, inspirée par l'esthétique graphique des estampes japonaises ukiyo-e, elle a joué avec la ligne dans les années 1890. Même avec ces nouveaux développements, cependant, elle a conservé la palette pastel et la «touche» gracieuse caractéristique de sa phase impressionniste.

    Comment Berthe Morisot a brisé les barrières pour devenir la première femme impressionniste

    Berthe Morisot, “Before the Mirror,” 1890 (Photo: Wiki Art Public Domain)

    Today, her work is not as well-known as that of her male contemporaries, but many museums still regard her as one of the movement’s key innovators—and, along with fellow Impressionist Mary Cassatt, she is recognized as one of art history’s most important female figures.

     

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