• L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon
    Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste Marianne Eriksen-Scott Hansen crée une «couture de papier» avec des fleurs plus grandes que nature fabriquées à partir de papier de soie. Les fines feuilles de couleur sont rassemblées et taillées pour former des pétales et des feuilles qui, tout en étant des objets solides, ont une qualité éthérée. C’est comme s’il s’agissait de luminaires dans un paysage de rêve aux bonbons.

    L'expérimentation est au centre des créations papier de Hansen. «Je me suis rarement laissée imposer par la tradition ou la convention dans mon travail avec le papier (ou tout autre matériau)», explique-t-elle à My Modern Met. «Je travaille de manière artistique et intuitive, mais avec les bases d'une expérience artisanale très large et durable.» Sa connaissance des techniques de construction, par exemple, lui permet d'interpréter un matériau tout en développant de nouvelles approches pour son utilisation. "Tout est entre les mains pour ainsi dire. Je veux entrer en dialogue avec le matériel. Travaillez mon chemin. Explorer plutôt que «simple» retravailler et enquêter. Voir jusqu'où vous pouvez «étirer» le papier. "

    En créant sa propre version de fleurs, Hansen reconnaît comment son processus imite la nature elle-même. «De nombreuses petites pièces individuelles qui composent un tout, de la cellule à l'organisme», dit-elle, «du micro au macro. Contrastes, symétrie, harmonie. De ma main, le papier est retourné à la matière organique dont il est issu. On lui donne la tactilité et la texture pour ressembler au bois, aux parties de plantes, au papyrus. Je traite fermement le papier comme une corde, une écorce, des branches. Ou délicatement comme de l'herbe séchée ou des pétales poreux. »

    L'artiste Marianne Eriksen-Scott Hansen crée des fleurs éthérées surdimensionnées à partir de papier de soie.

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

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    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

    L'artiste crée des fleurs en papier de soie surdimensionnées qui appartiennent à un paysage de rêve de couleur bonbon Par Sara Barnes le 13 mars 2020

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  • Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

     

    Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

    «Pond Dreams» (2019)

    L'artiste Sarah Joncas utilise une technique narrative vieille de plusieurs siècles comme base pour ses peintures surréalistes qui combinent un portrait réaliste avec des motifs décoratifs. La créatrice de Toronto a été inspirée par le concept de «sophisme pathétique» - un terme littéraire qui attribue des traits et des émotions humaines à des objets ou des animaux inanimés. À travers 21 portraits, elle crée sa propre touche sur cet appareil séculaire. Ses représentations hautement représentées de femmes sont ponctuées d'éléments aplatis de la nature, et les peintures explorent comment les éléments apparemment disparates deviennent un - et ce que cela signifie lorsqu'ils le font.

    Les dames sont entourées de papillons abstraits, de poissons koi, de créatures tentaculées, de feuillage et de nuages. Elles se mêlent aux figures centrales - parfois intimement liées - mais les femmes reconnaissent rarement leur présence. Le résultat est séduisant, mais il reflète l’objectif global du travail de Joncas. Elle vous invite à «faire une pause et à percevoir» le symbolisme et le sens profond présents dans chaque pièce et à se perdre dans ses mondes peints de la même manière que vous le feriez dans un bon livre.

    La série de Joncas a culminé avec une émission bien intitulée intitulée Pathetic Fallacy qui est maintenant au Hashimoto Contemporary à New York. L'exposition sera visible jusqu'au samedi 24 août 2019.

    Explorant le dispositif littéraire du «sophisme pathétique», l'artiste Sarah Joncas combine un portrait réaliste avec des motifs décoratifs.

    Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

    Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

    Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

    Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

    Les peintures surréalistes de femmes incarnent les émotions de la nature et des objets inanimés

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  • Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

     

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Inflorescence ”

    L'artiste Soey Milk réalise de beaux portraits de femmes qui contiennent des éléments de calme et de calamité. Elle le fait en implémentant le push and pull visuel dans toutes ses œuvres. Certaines parties de la composition, comme les visages de ses sujets, sont étroitement restituées dans un style réaliste tandis que les fonds sont gestuels avec des coups de pinceau visibles et des gouttes de peinture. Les résultats sont des images convaincantes qui vous invitent à considérer les motifs intégrés dans le travail de l'artiste.

    Milk constate que l'inspiration pour ses peintures peut provenir de n'importe où, et elle essaie donc de savoir quand une idée arrive. «Mon processus, explique-t-elle, commence généralement par un tout petit gribouillage. La plupart du temps, je pense à quelque chose et ça prend vie sur un morceau de serviette. " Elle ne s’assoit pas à un bureau et ne planifie pas son travail, et c’est cette ouverture - que son art est inspiré par son quotidien - qui rend les pièces si personnelles. «Mes peintures représentent des personnes de ma vie», raconte Milk à My Modern Met. "Chaque pièce met en évidence une certaine période de ma mémoire, faisant des pièces un point dans ma chronologie de la vie."

    Bien que les peintures représentent les pièces les plus connues de Milk, le dessin est également important pour elle. "Je dessine ces derniers temps. Pour moi, le dessin est comme un plan pour une future peinture. C'est une recherche attentive du chemin, la nature de celui-ci est méditative. »

    L'artiste Soey Milk fabrique des peintures contemporaines de femmes qui ont des éléments de calme aux côtés de la calamité.

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

    L'esquisse est une partie importante du processus du lait. «J'ai dessiné récemment», dit-elle à My Modern Met. "Pour moi, le dessin est comme un plan pour une future peinture."

    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

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    Peintures surréalistes de femmes sereines entourées d'un beau chaos de couleurs

     

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  • Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar est un célèbre artiste indien de l'aquarelle.
    Amit Bhar est né à Hooghly chinsurah (Bengale occidental). Même enfant, son premier amour était l'art. À l'âge de seize ans au Calcutta Govt. Art College, Amit a été béni avec les conseils de Shri Paresh Das, un artiste réputé et médaillé d'or. Par la suite, il a acquis de nouvelles connaissances sur l'art sous les célèbres Subal Jana et Niloy Ghosh, qui, ensemble, ont enrichi son style. Il a également été inspiré par Bikash Bhattacharya et Suhas Roy au cours de sa période initiale.

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

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    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar peut capturer tous les sujets sur sa toile. Dans une coquille de noix, ses peintures permettent au spectateur de réexaminer le seuil entre l'illusion et la réalité, entre le réveil et le rêve.
    Ses expositions personnelles ont eu lieu à la chancellerie de l'hôtel, à la galerie d'art Habi et beaucoup à la galerie d'art Mahua. Il a eu quelques expositions de groupe comme, Academy of Fine Arts, Calcutta, All India Fine Arts Thtya Kendra, Calcutta, The Gallery Cork, Londres, Contemporary Art Fair India (Travancore Palace) New Delhi et bien d'autres.
    Ses œuvres sont collectées par des collections personnelles et d'entreprise en Inde, aux États-Unis, en Suisse, à Singapour, en Espagne, à Bangkok, en Italie, à Londres, à Dubaï, à Amsterdam, au Canada et dans de nombreuses collections privées.

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

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    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

    Amit Bhar 1973 | Abstract Watercolor painter

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    Francis Danby

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby (16 novembre 1793 - 9 février 1861) était un peintre irlandais de l'époque romantique. Ses paysages imaginatifs et dramatiques étaient comparables à ceux de John Martin. Danby a initialement développé son style imaginatif alors qu'il était la figure centrale d'un groupe d'artistes qui sont devenus connus sous le nom de Bristol School. Sa période de plus grand succès a été à Londres dans les années 1820.

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Né dans le sud de l'Irlande, il faisait partie d'un ensemble de jumeaux; son père, James Danby, cultivait une petite propriété qu'il possédait près de Wexford, mais sa mort, en 1807, fit déménager la famille à Dublin, alors que Francis était encore un écolier. Il a commencé à pratiquer le dessin dans les écoles de la Royal Dublin Society; et sous un jeune artiste erratique nommé James Arthur O'Connor, il a commencé à peindre des paysages. Danby a également fait la connaissance de George Petrie.
    En 1813, Danby part pour Londres avec O'Connor et Petrie. Cette expédition, entreprise avec des fonds très insuffisants, s'est rapidement terminée et ils ont dû rentrer chez eux à pied. À Bristol, ils ont fait une pause, et Danby, trouvant qu'il pouvait obtenir des sommes insignifiantes pour des dessins à l'aquarelle, est resté là à travailler avec diligence et à envoyer aux expositions de Londres des images importantes. Là, ses grandes peintures à l'huile ont rapidement attiré l'attention.
    À partir d'environ 1818/19, Danby était membre du groupe informel d'artistes qui est devenu connu sous le nom de Bristol School, participant à leurs réunions de croquis du soir et à des excursions de croquis visitant les paysages locaux. Sa Vue des gorges d'Avon (1822) dépeint des figures dessinant dans un endroit privilégié par le groupe. Il est resté connecté avec les membres de la Bristol School pendant environ une décennie, même après avoir quitté Bristol en 1824.

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

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    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

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    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

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    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

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    Francis Danby | The Bristol School of painters

    Francis Danby | The Bristol School of painters

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    Francis Danby | The Bristol School of painters

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  • Les créatures fantastiques de l’artiste Roberto Benavidez

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    Robert Benavidez s’intéresse aux peintures et à la littérature anciennes pour trouver ses sources d’inspiration pour ses piñatas métalliques.

    Dans sa dernière série baptisée « Illuminated Piñata » l’artiste, basé à Los Angeles, reprend des personnages du psautier de Luttrell (1325-1335), un célèbre manuscrit médiéval qui contient des illustrations de créatures hybrides fantastiques.
    D’autres célèbres artistes comme Jérôme Bosch et son « Jardin des délices » ont été utilisés par Roberto Benavidez dans son travail.

    Photos © Roberto Benavidez

     
     
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  • Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Le "Banksy australien" évolue dans un univers complètement surréaliste...

    Où l'art ne sert qu'à réinventer la réalité. Brillant !

    Par : Axel Leclercq - Du Magazine Positivr -

    Connaissez-vous un monde où les émeutiers lancent des ananas ?

    Ce monde existe, c’est celui de Fintan Magee !

    Ce street artist australien mélange savamment...

    La violence du réel avec la douceur du rêve. Résultat ? 

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Des oeuvres qui interpellent, marquent et questionnent.

    Du grand art, tout simplement...

    Fintan Magee Est né à Brisbane et vit aujourd’hui à Lismore.

    Son travail lui vaut désormais une réputation internationale.

    Son surnom ? « Le Banksy australien » !

    Ça peut paraître excessif mais l’hommage n’est vraiment pas volé.

    Pour s’en convaincre il n’y a qu’à regarder son travail.

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Voici quelques unes de ses oeuvres les plus connues.

    Elles vous permettront aisément de vous faire une idée.

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Chacune d’entre elles peut être interprétée librement...

    De mille façons différentes...

    En ce sens , elles sont accessibles à tous.

    La Grande Classe -

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Portrait De Fintan Magee - Un Street Artist De Génie !

    Il y a des fois où on aimerait vraiment beaucoup qu’un type

    vienne s’éclater...

    Sur la façade de la maison avec ses bombes de  peinture.

    Surtout si le type en question s’appelle...

     

     

     

     

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  • La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

     

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    Détail de «Portrait d'Adele Bloch-Bauer I»

    L'artiste autrichien Gustav Klimt est l'un des artistes symbolistes les plus célèbres. Au cours de sa carrière réussie, il a cultivé un portfolio comprenant des peintures académiques, des dessins de la vie et même des objets d'art décoratif. Pourtant, il est surtout connu pour la collection d'œuvres dorées et brillantes qu'il a produites pendant sa phase dorée.

    Cette période lumineuse a duré environ une décennie, mais elle en est venue à caractériser le style de Klimt et a donné lieu à certaines des peintures les plus connues et précieuses de l'art moderne.

    Contexte
    Gustav Klimt a commencé sa carrière professionnelle en 1880, lorsque lui, son frère et un ami ont formé la «Compagnie des artistes». Le trio a souvent été chargé de peindre des peintures murales à travers Vienne. Alors que ces peintures publiques à grande échelle ont été initialement rendues dans un style académique et comportaient des sujets classiques, beaucoup d'entre elles préfiguraient le rôle de Klimt dans le mouvement sécessionniste - et son passage ultérieur dans sa phase dorée d'avant-garde.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    Le bâtiment de la Sécession à Vienne (Photo: Jorge Royan via Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

    Klimt a cofondé le mouvement sécessionniste en 1897. Rejetant la scène artistique traditionnellement conservatrice de Vienne, Klimt et d'autres sécessionnistes ont donné aux artistes contemporains de Vienne une plate-forme pour partager leur travail. Ce mouvement libérateur a inspiré et a permis à Klimt d'expérimenter avec son art et de développer un style symboliste inspiré des mouvements Art Nouveau et Arts and Crafts.

    À mesure que son style de peinture devenait de plus en plus moderne, son approche de la matière aussi. Au cours des premières années du mouvement, Klimt a commencé à incorporer la feuille d'or dans ses œuvres, marquant le début de la période la plus réussie et la plus brillante de sa carrière.

     

    La phase dorée
     

    PREMIERS EXEMPLES
    Pallas Athene est souvent considérée comme la première pièce de la phase dorée de Klimt. Achevée en 1898, cette peinture à l'huile représente la déesse grecque Athéna vêtue d'une armure et prenant une pose provocante. Bien que cette pièce présente toujours l'influence classique présente dans ses premières pièces, son utilisation audacieuse de l'or et la présence de motifs suggèrent le travail à venir de Klimt.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    «Pallas Athena, 1898 (Photo via le domaine public Wikimedia Commons)

    Un autre exemple précoce de cette période est Judith I. Comme beaucoup de ses dernières pièces, cette peinture présente un portrait d'une femme (dans ce cas, c'est Judith, une figure biblique célèbre pour avoir tué Holopherne, une envahisseur) entourée de motifs décoratifs et sur un fond d'or. De même, Klimt dépeint également la figure féminine avec des nuances érotiques - une approche qui deviendra intrinsèque à sa pratique pendant cette période.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    «Judith I», 1901 (Photo: Musée Gemeente via le domaine public Wikimedia Commons)

    En 1902, Klimt approfondit sa phase dorée avec la Beethoven Frieze. Ce cycle mural de 112 pieds de long a été créé pour la 14e exposition sécessionniste de Vienne. Il rend hommage au compositeur et pianiste allemand Ludwig van Beethoven en offrant une interprétation visuelle de sa 9e symphonie. Il présente également des plans opulents, des motifs et des figures mystiques et des accents ornementaux qui caractérisent les peintures dorées de Klimt.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    Détail de la «Beethoven Frieze», 1902 (Photo via le domaine public Wikimedia Commons)

    LA HAUTEUR DE LA PÉRIODE
    La phase dorée de Klimt a porté ses fruits avec trois œuvres clés: Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, The Stoclet Frieze et The Kiss.

    En tant que peintre à succès et figure éminente de la scène artistique contemporaine de Vienne, Klimt a souvent été chargée de peindre des portraits des femmes de la classe supérieure de la capitale. La plus connue de ces représentations est Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (1907), une pièce qui présente la femme d'un riche banquier juif. Bien que cette pièce représente l'un des contemporains de Klimt dans la vie réelle, son utilisation audacieuse de l'or lui donne une sensation éthérée qui rappelle une mosaïque byzantine, illustrant la qualité intemporelle de la «nouvelle femme viennoise».

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    «Adele Bloch-Bauer I», 1907 (Photo: Neue Galerie via le domaine public Wikimedia Commons)

    Entre 1905 et 1911, Klimt crée la Stoclet Frieze, une série de trois mosaïques extravagantes commandées pour la salle à manger de la maison Stoclet à Bruxelles. Le point focal de l'ensemble est l'Arbre de vie, une représentation stylisée d'un arbre avec des branches tourbillonnantes et spiralées, des motifs complexes et des motifs symboliques inspirés de l'art ancien. L'arbre est complété par des figures, dont une danseuse élégante et un couple qui ressemble de façon frappante aux amants présentés dans The Kiss. Dans ses études pour la frise, Klimt a orné la scène d'accents dorés.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    Étude pour «l'Arbre de vie», ca. 1905-1909 (Photo: Le projet Yorck via le domaine public Wikimedia Commons)

    L'œuvre sans doute la plus célèbre de Klimt, The Kiss, a été achevée en 1908. Elle dépeint un homme et une femme alors qu'ils s'embrassent paisiblement dans une parcelle de fleurs chatoyantes. Vêtus de motifs contrastés et principalement composés de formes dorées, ils englobent le centre décoratif de la phase dorée de Klimt.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    Le baiser », ca. 1907-1908 (Photo: Google Arts & Culture via le domaine public Wikimedia Commons)

     

    Travail ultérieur
    Vers 1911, Klimt a cessé de décorer ses toiles à la feuille d'or. Au lieu de cela, il a commencé à incorporer des plans complexes de couleur kaléidoscopique dans ses compositions, aboutissant à des conceptions rappelant les tapisseries tissées ou la décoration incrustée.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

    «Mort et vie», ca. 11910-1915 (Photo: Google Arts & Culture via le domaine public Wikimedia Commons)

    Klimt a travaillé dans ce style jusqu'à sa mort en 1918. Bien que ces œuvres restent une partie célèbre de son portfolio (Death and Life a reçu le premier prix à l'Exposition internationale d'art de 1911 à Rome), ce sont les pièces scintillantes de sa période dorée qui semblent pour se démarquer du reste.

    La splendide histoire de la «phase dorée» scintillante de Gustav Klimt

     

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  • Explorer l'histoire céleste des anges dans l'art

     

    Explorer l'histoire céleste des anges dans l'art

    Cet article peut contenir des liens affiliés. Si vous effectuez un achat, My Modern Met peut gagner une commission d'affiliation. Veuillez lire notre divulgation pour plus d'informations.

    Pendant des siècles, les anges ont honoré les œuvres d'art de leur présence éthérée. Apparaissant comme des statues anciennes et ornant des peintures murales modernes, ces figures ailées sont devenues un incontournable de l'histoire de l'art couvrant les médias, la culture et le temps.

    Alors que notre idée contemporaine de ce à quoi ressemble un ange est apparue au IVe siècle, l'existence de figures anges dans l'art remonte à des milliers d'années. Ici, nous explorons l'histoire céleste de ces êtres divins, en commençant par les entités antérieures qui les ont inspirés.

     

    Précurseurs angéliques
     

    ASSYRIE
    Dans la culture assyrienne ancienne, un lamassu était une divinité protectrice. Également connue sous le nom de «taureau ailé», cette figure hybride comprend la tête d'un humain, le corps d'un bovin ou d'un lion et de grandes ailes à plumes.

    Explorer l'histoire céleste des anges dans l'art

    Lamassu de la période néo-assyrienne, règne de Sargon II (721-705 avant notre ère)

    En raison à la fois de son rôle de protecteur et de la beauté de son apparence mythologique, ce dieu était souvent le sujet de l'art assyrien. Plus célèbre encore, des paires de lamassu sculptés ont été placées aux entrées du palais, les premiers exemples remontant au 10ème siècle avant notre ère.

     

    LA GRÈCE ANCIENNE
    En Grèce, deux figures prêtes à voler ont inspiré les anges de l'art: Eros et Nike.

    Dans la mythologie, Eros (connu plus tard comme l'équivalent romain, Cupidon) est le fils d'Aphrodite et le dieu de l'amour. L'art de la période classique (510 BCE-323 BCE) dépeint Eros comme un adolescent aux ailes proéminentes.

    Explorer l'histoire céleste des anges dans l'art

    «Eros», c. 470 avant JC à 450 avant JC (Photo: Le Louvre via Wikimedia Commons)

    Pendant la période hellénistique (323 BCE-31 CE), la popularité des sculptures en marbre a explosé. De nombreux artistes ont utilisé ce médium pour fabriquer des statues des dieux, avec la Victoire ailée de Samothrace parmi les exemples les plus célèbres.

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    La victoire ailée de Samothrace (Photo: muratart via Shutterstock)

    Créée pour commémorer une bataille navale au début du deuxième siècle avant notre ère, cette sculpture de 18 pieds représente Nike, la déesse grecque de la victoire. La figure habilement sculptée est célébrée pour sa position réaliste, ses draperies fluides et, bien sûr, ses ailes colossales.

     

    Les anges dans l'histoire de l'art
     

    ROME
    La première interprétation artistique d'un ange a été trouvée dans la catacombe de Priscille, une carrière utilisée pour les sépultures chrétiennes au 3ème siècle.

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    Dans l'une des chambres des catacombes, une collection de peintures murales illustre des scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament. En plus de la Reliure d'Isaac et des images de la Vierge à l'Enfant, ces fresques racontent l'histoire de l'Annonciation - un événement biblique dans lequel l'ange Gabriel a annoncé que Marie porterait le fils de Dieu.

    Bien que l'on pense être Gabriel, ce personnage n'avait pas d'ailes. En fait, ce n'est qu'au siècle suivant que les artistes associeront les membres antérieurs familiers aux anges.

     

    BYZANCE
    La première œuvre d'art connue montrant des anges avec des ailes remonte au IVe siècle. Ornant ce qu'on appelle le sarcophage du Prince, un cercueil en marbre trouvé près de la Turquie, ces sculptures en relief sont les premières de nombreux anges ailés trouvés dans l'art byzantin.

    Au cours des siècles suivants, les anges apparurent comme le sujet de mosaïques dorées, de peintures sur panneau et d'autres icônes catholiques romaines.

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    Mosaïque de l'archange Michel (XIIIe siècle) de l'église de Santa Maria dell ’Ammiraglio (Photo: Renata Sedmakova via Shutterstock)

     

    LE MOYEN ÂGE
    Les artistes médiévaux ont adopté l'interprétation byzantine des anges, les incorporant dans leurs peintures sur fond d'or. Souvent, ces sujets volants peuvent être vus flottant à l'arrière-plan de scènes mettant en vedette des personnages saints assis, comme la Vierge Marie et Jésus dans La Vierge à l'enfant avec des anges de Pietro di Domenico da Montepulciano.

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    Vierge à l’enfant avec des anges »par Pietro di Domenico da Montepulciano, 1420 (Photo: Domaine public du Metropolitan Museum of Art)

    De même, les messagers divins sont souvent apparus dans des manuscrits enluminés, présentant à la fois des éléments décoratifs et les principaux sujets des histoires.

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    «L'Annonciation», Taddeo Crivelli, ca. 1469 Mme Ludwig IX 13, fol. 3v ((Photo: contenu ouvert de J. Paul Getty Museum)

     

    LA RENAISSANCE ITALIENNE
    Au début de la Renaissance, les artistes ont continué d'incorporer des anges dans leurs peintures. Contrairement aux représentations médiévales, cependant, ces figures ont commencé à paraître moins éthérées et plus terrestres - une évolution qui laissait présager l'intérêt éventuel des artistes de la Haute Renaissance pour le naturalisme. Un premier exemple qui démontre ce changement est Madonna With Child and Two Angels de Fra Filippo Lippi.

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    ra Filippo Lippi, «Madonna avec enfant et deux anges», ca. 1460-1465 (Photo via le domaine public Wikimedia Commons)

    Des artistes de la Renaissance du Nord comme Jan Van Eyck ont également repensé les ailes des anges eux-mêmes, remplaçant leurs plumes ivoire ou dorées par des dégradés arc-en-ciel frappants.

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    Jan Van Eyck, «L'Annonciation», v. 1434-1436 (Photo via Wikimedia Commons)

     

    NÉOCLASSICISME
    Inspirés par le réalisme de la Renaissance, les artistes néoclassiques ont peint des anges naturalistes. Rendus à la fois comme des chérubins à Cupidon et de belles figures féminines, ces anges évoquaient la qualité terre-à-terre des modèles de la Renaissance antérieurs.

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    William-Adolphe Bouguereau, «Le chant des anges», 1881 (Photo: Getty Center via le domaine public Wikimedia Commons)

    Contrairement à ce dernier, cependant, les anges néoclassiques n'étaient pas strictement trouvés dans les représentations bibliques; ils figuraient également dans l'iconographie mythologique et des scènes allégoriques inspirées de l'art classique, comme la célèbre naissance de Vénus de William Bouguereau.

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    William-Adolphe Bouguereau, «Naissance de Vénus», 1879 (Photo: Musée d’Orsay via le domaine public Wikimedia Commons)

     

    MODERNISME
    Au 20e siècle, les artistes ont continué à chercher l'inspiration dans les cieux. Le moderniste juif Marc Chagall a régulièrement incorporé des anges dans son travail, citant son intérêt permanent pour l'Ancien Testament comme muse. «Je suis fasciné par la Bible depuis que je suis très jeune», a-t-il déclaré. «Il m'a toujours semblé, et c'est toujours le cas, que la Bible est la plus grande source de poésie qui ait jamais existé. Depuis ce temps, je cherche à exprimer cette philosophie dans la vie et l'art. »

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    Plafond de Marc Chagall à l'Opéra National de Paris Garnier, 1964 (Photo: lapas77 via Shutterstock)

     

    ART CONTEMPORAIN
    Enfin, les artistes contemporains continuent de créer des œuvres d'art angéliques. Des dessins au trait expressifs de Keith Haring à une exposition éthérée de Tracy Emin, ces pièces et projets prouvent la puissance éternelle du sujet spirituel.

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