• Les incroyables bouteilles de sable d’Andrew Clemens

    Andrew Clemens sable bouteilles

    Andrew Clemens vivait il y a plus de cent ans dans l’Iowa. Personnage au destin insolite, Andrew perd son ouïe et devient muet à l’âge de cinq ans.

    C’est très tôt, vers 17 ans, que l’artiste commence à expérimenter l’assemblage du sable qu’il insère minutieusement dans des bouteilles aux diverses formes.
    Dans les premières années de son travail, les œuvres de Clemens étaient géométriques. Puis, petit à petit, il s’est attaché à compliquer son  en élaborant des bouteilles dont les sujets étaient figuratifs.

    A l’époque, Clemens vendait ses bouteilles pour 5 à 7 dollars (l’équivalent de 110 à 160 euros aujourd’hui). Il en a réalisé une centaine, a travaillé des heures dessus.

    Malheureusement peu sont encore intactes, mais celles qui le sont restes merveilleusement bien conservées.

    art Andrew Clemens

    Andrew Clemens art sable

    Andrew Clemens bouteilles sable

    Andrew Clemens bouteilles

    Andrew Clemens art

    Andrew Clemens sable bouteille

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    Andrew Clemens

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    Aujourd’hui ces bouteilles sont vendues pour des sommes allant jusqu’à 50 000 dollars.

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  • Janette Rose est une artiste américaine qui peint ses œuvres sur des feuilles d'arbres. Ses animaux peints sur de grandes feuilles d'érables et de sycomores sont fins et réalistes.

     C'est à l'aide de petits pinceaux que l'artiste peut travailler tous les détails de ses peintures. Janette Rose aime peindre sur des surfaces non conventionnelles. Elle considère que l'art ne consiste pas à suivre des règles.

     Au sujet de ses peintures elle écrit : " Peindre sur des feuilles d'arbres est très stimulant et excitant pour moi. Quand je peins, je tends à prêter attention aux petits détails."

     

    Janette Rose habite aux États-Unis, dans le Michigan, avec son mari et ses deux enfants.

    Janette se passionne pour l'art depuis sa plus tendre enfance : "D'aussi loin que je me souvienne je suis en amour avec tout ce qui est artistique."

     Les formes des nuages, l'ombre de ses fleurs sur la table, les couleurs d'un papillon... Tout est une source d'inspiration pour cette artiste.

     Janette Rose peint donc de superbes papillons et oiseaux, mais aussi des chevaux et des cerfs sur ses feuilles d'arbres. Des scènes d'une nature calme qui sont parfaitement détaillées.

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    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

     

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

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    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

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    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

    Janette Rose, elle réalise ses peintures sur des feuilles d'arbres

     

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  • Peder Mork Monsted...

    Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

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    Peder Mork Monsted...  Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

     

    Peder Mork Monsted (1859-1941), est un peintre réaliste danois.Il est célèbre pour ses magnifiques paysages qui sont d'un exceptionnel réalisme. 

    Les peintures de l'artiste peuvent se regarder comme des photos !Il y a une telle technique et une si grande précision dans lespeintures de Peder Mork Monsted que ça en est presque irréel.

    Le peintre savait capturer la lumière, les reflets...Chaque détail du paysage semble avoir été peint.

    Peder Mork Monsted...  Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

    Peder Mork Monsted est né à Balle au Danemark.  Il va étudier la peinture de paysage et de portrait à Copenhague dans différentes écoles.
    Peintre qui fait partie du mouvement des romantiques, il commence par peindre les forêts danoises. C'est là qu'il va peu à peu acquérir une grande technique. Monsted va ensuite voyager en Suisse... En Italie, dans le sud de la France et en Afrique du Nord. 

    Peder Mork Monsted...  Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

    Durant les années 20 et 30 il va être très inspiré par les paysages méditerranéens et la forêt danoise qui lui est si chère.

    Peder Mork Monsted va magnifier la nature. Il a une vision poétique et romantique de ses paysages. Il est aujourd'hui considéré comme étant un virtuose de la peinture réaliste de paysage.  

    Biographie 

    Fils d'un riche armateur du Jutland, Peder Mønsted suit très jeune les cours de l'école d'art de Aarhus...

    Puis entre, en 1875...

    à l'Académie royale des beaux-arts du Danemark.

    Peder Mork Monsted...  Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

    En 1882, il se rend à Rome puis à Capri, où la lumière méditerranéenne et l'éclat des couleurs l'impressionnent. Quelques mois plus tard, il se rend à Paris où il travaille jusqu'en 1883 dans l'atelier de William Adolphe Bouguereau1.

    En Italie, il visite entre autres Venise, le lac de Garde et Ravello, en France, Paris et Monte-Carlo.

    En Suisse, il se rend à plusieurs reprises durant l'hiver en Engadine et à la belle saison sur les rives du lac Léman1.

    Peder Mork Monsted...  Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

    En 1889, il se rend en Algérie. Trois ans plus tard, il visite la Grèce, où en 1892 il est l'invité de la famille royale pendant un semestre.

    Il peint aussi les pyramides en Égypte, puis en Espagne la ville andalouse de Cadix.

    De ses voyages Peder Mønsted rapporte de nombreux croquis qu'il utilise dans son atelier...

    Pour peindre des toiles qui participent à de grandes expositions internationales.

    Peder Mork Monsted...  Le Peintre Aux Paysages Réalistes...

    Peder Mørk Mønsted est un peintre réaliste danois. Dans l'histoire de l'art, il est considéré comme l'un des plus célèbres peintres paysagistes du tournant du XXᵉ siècle. 

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  • Ivana Besevic: portraits émotionnels

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    Ivana Besevic peint de merveilleux portraits, associant des looks puissants à une délicatesse émotionnelle.

     

    De Paris à Belgrade, l'artiste d'aujourd'hui utilise des films, des photographies et des musiques pour créer de superbes chefs-d'œuvre.

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    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    Etude pleurante © Ivana Besevic

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    Portrait, modèle inconnu © Ivana Besevic

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    Portrait, modèle inconnu © Ivana Besevic

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    ortrait d'Emily Bador © Ivana Besevic

    Issu de l'école supérieure de design et de l'académie des arts appliqués de Belgrade, Ivana Besevic poursuit ses études à Paris, toujours à la recherche de son propre parcours artistique. De nos jours, elle applique ses connaissances des arts traditionnels via Photoshop, créant des portraits numériques, inspirés de scènes de films, de documentaires, de photographies, de familles et d'amis.

    Constamment à la recherche d'inspiration, elle écrit ses idées dans un cahier. A ce sujet, elle a avoué à Hautepunch qu'elle avait cessé de peindre pendant un an parce qu'elle n'était pas capable de trouver la bonne façon de s'exprimer. Elle a ensuite travaillé dans la production cinématographique et télévisuelle et a développé un certain intérêt pour les jeux vidéo, le design de personnages et le concept art .

    Pour le moment, elle passe d’un réalisme époustouflant à une volonté partielle d’adoucir les coups, établissant un état d’incertitude délicate. Prenant un jour en moyenne pour produire, ses pièces semblent être de vraies peintures.

    En utilisant des pinceaux numériques plus ou moins personnalisés, elle commence par peindre des zones assez grandes pour façonner le visage et le torse.

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    Processus de tissage © Ivana Besevic

    Comme vous pouvez le voir, l'artiste développe alors le fond et gagne progressivement en précision. En passant, les sources de lumière sont considérées au départ: elle n'attend pas le dernier moment pour ombrer ou éclaircir le visage.

    La partie la plus impressionnante de son travail est qu'elle parvient à montrer l'humain. Au-delà de la réalisation technique, le réalisme de ses pièces réside dans l'illustration du modèle lui-même. Ivana Besevic n'a pas peur de la peindre avec une complexité émouvante entre beauté et fragilité.

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

    Lera Abova © Ivana Besevic

     

    Ivana Besevic: portraits émotionnels

     

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  • MAÎTRE DE LA POUPÉE D'ART JULIA SOCHILIN ET SES BEAUTÉS ROMANTIQUES.

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    Yulia Socilina est diplômée de l'école Art et Industriel Abramtsevo. Vasnetsova, département de traitement artistique du bois, de la pierre et des os. Les poupées de Julia Socilina sont faites en un seul exemplaire, les vêtements pour poupées sont cousus à partir de tissus coûteux avec l'utilisation de la dentelle antique.
     






















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  • L’Histoire du Chef-d’œuvre de Raphaël « L’École d’Athènes »

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    Raphael, au milieu de sa vingtaine, était déjà le peintre estimé qui avait séduit une foule de connaisseurs d’art. Au sommet de son art, ce maître de la Renaissance italienne avait été invité par le pape à vivre à Rome, où il passerait le reste de ses jours. À partir de 1509, il commence à décorer la première des quatre salles du Palais Apostolique. Collectivement, ces salles Raphaëliennes, avec la chapelle Sixtine de Michel-Ange, illustrent la technique de la fresque de la Haute Renaissance.

     

    En particulier, la fresque de Raphaël, « L’École d’Athènes » a fini par symboliser le mariage de l’art, de la philosophie et de la science, caractéristique de la Renaissance italienne. Peinte entre 1509 et 1511, l’oeuvre est située dans la première des quatre salles conçues par Raphaël, la Stanza della Segnatura.

    Mais que représente cette peinture célèbre ? Regardons ce que l’école iconique d’Athènes représentait pour Raphaël en tant qu’artiste et comment cette fresque est devenue un tel symbole de la Renaissance. À l’époque, une commande du pape était le sommet de la carrière de tout artiste. Pour Raphael, c’était la validation d’une carrière déjà florissante.

     

    Raphaël était à Florence lorsqu’il a appris que le pape Jules II, le même homme qui avait demandé à Michel-Ange de peindre le plafond Sixtine, lui a demandé de décorer des appartements au deuxième étage du palais du Vatican. Il espérait surpasser les premières peintures de la Renaissance, que son prédécesseur, le pape Alexandre VI, avait fait réaliser dans les appartements Borgia, situés juste en dessous. Cela pouvait être considéré comme un choix audacieux, car le jeune Raphaël n’avait jamais exécuté de fresques aussi complexes que l’exigeait cette commission. À ce moment-là, il était surtout connu pour ses petits portraits et ses peintures religieuses sur bois, en plus de quelques retables. Certains pensent que son ami Bramante, qui était l’architecte de Saint-Pierre, l’a recommandé pour ce travail. Ils avaient tous deux grandi à Urbino et se connaissaient bien.

    Raphael a relevé le défi en créant un vaste catalogue de croquis préparatoires pour toutes ses fresques. Ces croquis seraient ensuite transférés à grande échelle sur le plâtre humide. Travaillant en même temps que Michel-Ange, on pense que cela l’a aidé et inspiré en stimulant sa compétitivité.

     

    Salle de la Signatura

     

    L’École d’Athènes est l’une des quatre fresques murales de la Stanza della Segnatura. La salle devait constituer la bibliothèque de Julius, et le concept global de Raphaël englobe donc le contenu disciplinaires des études du pape.

    Au 15ème siècle, la tradition de décorer des bibliothèques privées avec des portraits de grands penseurs était courante. Raphael a développé le concept avec des compositions massives qui reflétaient la philosophie, la théologie, la littérature et la jurisprudence. Dans leur ensemble, ils devaient immédiatement transmettre la culture et l’intelligence du pape et susciter la discussion entre les esprits cultivés qui avaient eu la chance d’entrer dans cet espace privé.

    L’école d’Athènes était le troisième tableau que Raphaël a réalisé après Disputa (représentant la théologie) et Parnassus (représentant la littérature). Il est positionné face à Disputa et symbolise la philosophie, établissant un contraste entre les croyances religieuses et laïques.

    Vous pouvez faire une visite virtuelle de la Stanza della Segnatura via le site Web des Musées du Vatican.

     

    L’École d’Athènes

    Situé dans une immense illusion architecturale peinte par Raphaël, L’École d’Athènes est un chef-d’œuvre qui représente visuellement un concept intellectuel. Dans un tableau, Raphaël utilise des regroupements de personnages pour présenter une leçon complexe sur l’histoire de la philosophie et les différentes croyances développées par les grands philosophes grecs.

    Raphaël aurait certainement été au courant des projections privées de la chapelle Sixtine en cours, organisées par Bramante. Bien que le travail de Raphael, à bien des égards, puisse être considéré comme plus complexe en raison du nombre de personnages placés dans une seule scène, il a certainement été influencé par le travail du grand artiste. Cela est particulièrement évident par le grand personnage qui se profile au premier plan, comme nous le verrons.

     

    En fait, l’influence moderne s’infiltre plus fréquemment que l’on pourrait le penser, en particulier en ce qui concerne les visages utilisés pour certain personnages de l’École d’Athènes . Jetons un coup d’œil, groupe par groupe, pour éclaircir le concept et voir qui apparaît dans la célèbre fresque.

    Qui sont les personnages de l’école d’Athènes?

     

    PLATON ET ARISTOTE

     

    Les deux personnages principaux de l’œuvre sont placés directement sous la voûte et dans le point de fuite de la fresque, une astuce de composition pour attirer l’attention du spectateur sur la partie la plus importante du tableau. Ici, nous voyons deux hommes qui représentent fidèlement les différentes écoles de philosophie – Platon et Aristote.

    Un Platon âgé se tient à gauche, pointant son doigt vers le ciel. À côté de lui se trouve son élève Aristote. Aristote tend son bras droit directement vers le spectateur. Chaque homme tient une copie de ses livres dans sa main gauche : Timaeus (Dialogue) pour Platon et Éthique à Nicomaque pour Aristote.

    On pense que le geste de Platon vers le ciel indique sa théorie des formes-idées. Cette philosophie soutient que le monde «réel» n’est pas le monde physique, mais plutôt un domaine spirituel d’idées remplies de concepts et d’idées abstraits. Le domaine physique, pour Platon, n’est que le matériel, les choses imparfaites avec lesquelles nous voyons et interagissons quotidiennement. Certains experts estiment que Raphaël a utilisé le visage de Leonardo da Vinci pour Platon, basé sur les similitudes avec son autoportrait.

    À l’inverse, la main d’Aristote est une représentation visuelle de sa conviction que la connaissance provient de l’expérience. L’empirisme, comme on le sait, théorise que les humains doivent avoir des preuves concrètes pour soutenir leurs idées et sont très ancrés dans le monde physique.

    Les érudits soutiennent que cette division des philosophies, placée au centre de l’école d’Athènes , est le thème central de la peinture.

    Alors, qui sont les autres personnages ? Ce n’est pas toujours clair, car Raphaël n’a pas équipé pas tous ses personnages avec des attributs qui révèlent leur identité. Heureusement, il y a beaucoup de personnes sur lesquelles les historiens peuvent s’entendre.

     

    SOCRATE

    À gauche de Platon, Socrate est reconnaissable à ses traits distinctifs. On dit que Raphaël a pu utiliser comme source d’inspiration un buste ancien du philosophe. Il est également identifié par le geste de sa main, comme le souligne Giorgio Vasari dans « Vies des artistes« . « Même la manière de raisonner de Socrate est intentionnelle : il tient l’index de sa main gauche entre l’index et le pouce de sa main droite, et semble énumérer des arguments. »

    Ses étudiants, dont le général Alcibiade et Eschine de Sphettos, font partie de la foule entourant Socrate.

     

    PYTHAGORE

    Au premier plan, Pythagore est assis avec un livre et un encrier, également entouré d’étudiants. Bien que Pythagore soit connu pour ses découvertes mathématiques et scientifiques, il croyait fermement en la métempsycose. Cette philosophie affirme que chaque âme est immortelle et, à la mort, se déplace vers un nouveau corps physique. Dans cette optique, il est logique qu’il soit placé à côté de Platon sur la fresque.

     

    EUCLIDE

    En tenant compte de la position de Pythagore de l’autre côté, Euclide se penche sur une démonstration en utilisant un compas. Ses jeunes étudiants essaient ardemment de saisir les leçons qu’il leur enseigne. Le mathématicien grec est considéré comme étant le père de la géométrie et son amour des théorèmes concrets avec des réponses exactes démontre pourquoi il figure sur le côté d’Aristote dans l’école d’Athènes. Les experts estiment que le personnage d’Euclide est en fait un portrait de l’ami de Raphaël, Bramante.

     

    PTOLÉMÉE

    Le grand mathématicien et astronome Ptolémée se situe juste à côté d’Euclide, le dos au spectateur. Portant une robe jaune, il tient un globe terrestre à la main. On pense que l’homme barbu qui se tient devant lui et qui tient un globe céleste est l’astronome Zoroaster. Le jeune homme qui se tient à côté de Zoroaster, pointant du doigt le spectateur, n’est autre que Raphael lui-même. L’incorporation de ce type d’autoportrait n’est pas rare à l’époque, bien que ce soit un geste audacieux pour l’artiste d’insérer un caméo dans une œuvre d’une telle complexité intellectuelle.

    DIOGÈNE

    Il est universellement admis que Diogène était le plus âgé des hommes. Fondateur de la philosophie cynique, il était un personnage controversé de son époque, vivant une vie simple et critiquant les conventions culturelles.

     

    HÉRACLITE

    L’un des personnages les plus marquants de la composition est un homme assis au premier plan, la main soutenant la tête dans une position classique de «penseur». Ce personnage n’apparaît pas dans les dessins préliminaires de Raphaël et l’analyse du plâtre montre qu’il a été ajouté plus tard. Les historiens de l’art, Roger Jones et Nicholas Penny, écrivent dans leur livre Raphaël que «c’est probablement la première tentative de Raphaël pour s’approprier une partie du poids lourd des prophètes et des sibylles de Michel-Ange».

    Longtemps considéré comme un portrait de Michel-Ange lui-même, la nature sinueuse de sa silhouette symboliserait le caractère de l’artiste. Dans le domaine des philosophes, il est Héraclite, un pionnier autodidacte de la sagesse. Personnage mélancolique, il ne jouissait pas de la compagnie des autres, faisant de lui l’un des rares personnages isolés de la fresque.

     

    LES STATUES

     

     

    Pour compléter l’oeuvre de Raphael, deux grandes statues sont installées dans des niches à l’arrière de l’école. Sur la droite de Platon, nous voyons Apollon, tandis que sur la gauche d’Aristote, il y a Minerve. Minerva, la déesse de la sagesse et de la justice, est une représentante appropriée du côté de la philosophie morale de la fresque. Son positionnement la place également près de la fresque de Raphaël intitulée « Disputa » (qui représente la théologie), qui se trouve directement à sa gauche.

    Apollon, reconnaissable à sa lyre, représente le côté de la philosophie naturelle. En tant que dieu de la lumière, de la musique, de la vérité et de la guérison, sa position le place à côté de la fresque Parnassus de Raphaël représentant la littérature et la poésie.

    Depuis sa création, l’école d’Athènes a été un succès, amenant Raphaël à se charger des commandes du pape et à en faire l’un des artistes les plus recherchés de Rome. Bien que la vie de Raphaël ait été courte – il est mort en 1520 à l’âge de 37 ans – son héritage a perduré au cours des siècles. Il est toujours considéré comme l’un des grands maîtres de la Renaissance italienne, et son travail influence encore aujourd’hui les artistes.

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  • Peintures De La Vie Quotidienne Artiste Coréenne...

    Elle peint des scènes du quotidien qu’il est agréable de contempler...

    Et à travers lesquelles...

    Il est aisé de se projeter tant la réalité y est bien retranscrite.  

    Peintures De La Vie Quotidienne Artiste Coréenne...  Paige Jiyoung Moon

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    Peintures De La Vie Quotidienne Artiste Coréenne...  Paige Jiyoung Moon

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    Peintures De La Vie Quotidienne Artiste Coréenne...  Paige Jiyoung Moon

     

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  • Les aquarelles du printemps en Californie de Jungsook Hyun

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    Jungsook Hyun est une artiste d’origine sud-coréenne qui a réalisé une série d’aquarelles du printemps en Californie.

    Entre facades de batiments et fleurs de couleurs, cette peintre de Fullerton met en image des scènes de plein air pleines de nuances avec un coup de pinceau délicat et doux.

    Les aquarelles du printemps en Californie de Jungsook Hyun

    Les aquarelles du printemps en Californie de Jungsook Hyun

    Les aquarelles du printemps en Californie de Jungsook Hyun

    Les aquarelles du printemps en Californie de Jungsook Hyun

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  • Des Photos inspirantes racontent des Histoires profondes inspirées par les Peintures de Andrew Wyeth

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    Le photographe d’art primé Paul Ernest a récemment achevé son premier livre photo intitulé « May I Tell You a Story… » La collection comprend plus de 75 images inspirantes qui ressemblent à des scènes d’histoires mythiques d’autrefois. « Ces images ne sont pas seulement mon histoire. Ils sont notre histoire. Ils sont l’histoire de ceux qui sont venus avant nous, et de ceux qui viendront après nous. C’est l’histoire de nos enfants », explique Ernest.

     

    Ernest a longtemps été inspiré par le travail du peintre réaliste Andrew Wyeth.  Ses œuvres possèdent encore aujourd’hui une qualité surréaliste unique. Ernest voit son propre travail comme une version moderne de ce concept. Considérant la photographie comme un support, Ernest utilise Photoshop pour transformer ses images en histoires riches de «messages surréalistes». Chaque image est comme quelque chose que vous pourriez voir dans un rêve, comme un homme dans la campagne verdoyante, jouant joyeusement du violoncelle à personne mais juste son chien, ou une femme « pêchant » au milieu d’une prairie sans eau, contre un lilas, le ciel voilé.

    Chaque image est accompagnée de l’interprétation et du message de Paul au spectateur. Dans une image particulière, intitulée Ruth, une femme se tient avec assurance dans un champ de blé inondé de soleil. L’histoire se lit comme suit : « Il s’agit d’une vision de loyauté et d’honneur. Ruth scrute l’horizon pensive. Audacieuse et inébranlable, elle attend stoïquement l’aube d’une nouvelle journée avec tous ses espoirs et ses rêves, lui donnant la force dont elle a besoin pour faire ce qui doit être fait. »

    Certaines des images ont déclenché des émotions intenses chez certains spectateurs, servant de forme de thérapie visuelle. Quand il a demandé à des thérapeutes comportementaux la raison de cette émotion envahissante, ils lui ont dit que les gens peuvent s’identifier à son travail «d’une manière qui leur permet de s’ouvrir et / ou de grandir d’une façon unique».

    Avec l’aide d’une campagne Kickstarter, Ernest espère publier son livre photo d’ici le printemps 2018. Vous pouvez trouver plus d’œuvres d’Ernest sur son site web.

    Paul Ernest

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